Sensacional ejecución de la “Sinfonía Manfredo” de Tchaikovsky 

Por Luis Felipe Marsáns

Tchaikovsky, cuya música está cuajada de un supremo dramatismo en las melancólicas melodías y estruendosos clímax de su obra entera --particularmente   en sus sinfonías y poemas sinfónicos--,  no pudo encontrar mejor ocasión de expresarse en tal sentido, que componiendo la “Sinfonía  Manfredo”, una excepcional obra programática para orquesta gigante, basada en el poema del ingles Lord Byron.

 Centro de una reciente presentación en Miami de la “Orquesta  Sinfónica Nacional de Rusia” --el primer ensamble de su tipo creado con  fondos privados, tras la desaparición del régimen marxista que dominó la otrora Unión Soviética--, “Manfredo”  constituyó una de las ejecuciones más espectaculares que he escuchado en esta ciudad durante toda mi vida, la última a cargo de la desaparecida Florida Philharmonic, conducida por James Judd.

A cargo en este caso del joven y talentoso  director Vladimir Jurowski, la “Orquesta Nacional de Rusia” sonó con una profunda intensidad desde los primeros compases de Manfredo;  y su música, llena del encanto que caracterizó a quien haya sido probablemente el más romántico  y dramático de los compositores de todos los tiempos, fue cobrando vida con esa genial capacidad que el tenía para incrementar los temas y pasajes hacia los mayores paroxismos.

 En el primer tiempo (lento lúgubre) la madera sonó exquisitamente melódica y sentimental sobre el golpe de los contrabajos, y  la elaboración orquestal del compositor fue recogida por el maestro con firmeza en todos sus tiempos, en  cada una de las secciones de la orquesta, particularmente vibrante en las intervenciones del gong, el bombo y demás instrumentos de percusión, y espectacular intensidad en el tímpano, hasta que apareciera al tema de “Manfredo”  propiamente, para poner fin al movimiento, en singular aportación de las trompas, el resto de los metales y los violines.

El Vivace con spirito del segundo tiempo, y el andante con moto, del tercero, fueron momentos de supremo   romanticismo, envueltos  unas veces en un canto triste de melodías con cierto aire bucólico, que se sorteaban en la madera y los primeros  y segundos violines de forma brillante, elevando seguidamente la tristeza del personaje de Byron mediante armonías  concordantes en el ámbito del más profundo drama íntimo.

Valga mencionar también que el tema del tercer tiempo fue encarado con  una dulzura pueril que emerge en los violines contra otros instrumentos de la orquesta, y se acerca a su mayor expresividad  como en un diálogo reflexivo entre las secciones de la orquesta,  hasta llegar a una clarinada, que se proyecta como un    fatum   sobre campanadas y la aportación del doble arpa, antes de cerrar el tiempo con la exaltación de la melodía a su mayor melancolía.

Y el final, tocado en toda su grandiosidad estructural –sin quitarle compases, como acostumbraban a hacer algunos directores  de antes--, fue un apogeo emocionante en su elaboración sinfónica,  en la que intervienen dos arpas, y hay un fraseo de profunda meditación entre  las cuerdas, hasta llegar al clímax que lleva la obra hacia su  conclusión, antes de aparecer por ultima vez el tema de "Manfredo" en los violines. En la composición original,  la muerte de Manfredo   está representada por un fuerte acorde de órgano  --instrumento no usado en esta versión--, pero la sección de madera (nombre que viene de la antigüedad, pero que se refiere a todos los instrumentos de la familia de flautas, piccolo, fagote, clarinete, etcétera), supo llenar admirablemente la ausencia, con la orquesta de fondo, al extremo que no se notaba la falta del citado instrumento.

Manfredo, en mi juicio es la más grandiosa sinfonía de Tchaikovski entre todas –pasando inclusive por arriba de la Patética--, es la menos conocida y tocada en conciertos, tal vez porque demanda mucho de sus intérpretes  en términos de calidad y dominio de sus matices dinámicos. Este  director, sin embargo,  nos la ofreció de una manera excepcional, llevándola con perfección en todos sus tiempos, grandiosidad expresiva en sus clímax y la pasión que caracteriza la partitura, que él supo incrementarla al máximo, con fuerza y singular expresividad.

El programa –auspiciado por la “Asociación de Conciertos de la Florida”, de Judy Drucker--, que concluyó con selecciones de valses de dos ballet de Tchaikovsky,  a manera de encore, tuvo un inicio igualmente hermoso con la interpretación del Concierto No. 1 del mismo compositor, tocado en su parte solista por el virtuoso  Yefim Bronfman, quien debutara siendo un jovenzuelo en Miami, en uno de los primeros conciertos de Judy Drucker, hace décadas; y que movió sus manos sobre el teclado con virtual apasionamiento y extraordinario dominio de esta composición. Aquí también, el maestro Vladimir Jurowski hizo sonar la Sinfónica  de Rusia –de la que es principal director invitado-- con grandilocuencia, en una formación diferente, pero efectiva, donde los contrabajos estaban a la izquierda; y a la derecha, el tímpano, que resonaba como el corazón del conjunto de manera singular, igualmente en el golpe que abre el tercer movimiento del Concierto No. 1, fuerte en su mano, como nunca había oído.

La “Orquesta de Jerusalem” ha sido uno de los mejores programas de la “serie Prestige”

Por Luis Felipe Marsans

Una de las principales atracciones de la  serie “Sanford L. Ziff Prestige”, de la “Asociación de Conciertos de la Florida”, tiene que ver con la calidad de sus artistas, pero también –y muy particularmente— con la posibilidad de traer al publico de Miami y Miami Beach, ensambles musicales, directores y solistas, que de otra forma, serian muy pocos los que tendrían la posibilidad de ir a verlos y oírlos en sus  lugares de origen, como ocurrió la otra noche con la “Sinfónica de Jerusalem”, en el Teatro Jackie Gleason.

Dirigida por un extraordinario maestro del podium –Leon Botstein--, la orquesta, de amplio tamaño en lo que respecta al numero de sus músicos, sonó consistentemente en cada momento, de forma muy especial en las  secciones de los metales, predominantes en ambas composiciones iniciales;  tanto como en la madera, donde sus integrantes acometieron cada una de sus partes de forma muy refinada. Ellas fueron, de Paul Hindemith, la suite Nibilissima visione; y de Aarón Copland, Statement, que aunque poco conocidas entre la generalidad del publico, impresionaron a la audiencia por el carácter convincente que el director le imprimio a cada uno de sus  movimientos.

Pero para mi lo realmente espectacular de la velada fue la interpretación de la “Quinta Sinfonía de Shostakovich”, que resonó hermosamente, tanto en los tiempos fortísimos –que en esta obra aparecen continuamente— que en la singular melodía del “largo”, del penúltimo movimiento, donde la madera hizo igualmente gala de una profunda expresividad, con tristeza y melancolía, aun cuando la composición data de un momento del Siglo XX en que primaban las transformaciones que sucedieron al romanticismo puro  de un siglo atrás.

Y, por su puesto, tras esta maravillosa sucesión de temas (que en mi juicio consagraron al compositor como uno de los mejores de su época), el Allegro non troppo vendría a llenar la sala con sus vibrantes temas concedidos a la sección de violines –primeros y segundos-- y al resto de la orquesta que, sonando grandiosamente al unísono en el desarrollo del tema final, lleno de dramatismo y grandilocuencia la ejecución,  empinándose aun más en la coda, para cerrar la sinfonía  con plenitud de sonoridades, en las que predominaron los aportes de  los metales, reforzados por los golpes de tímpano y de bombo, que le dan un carácter definitivamente glorioso. 

El programa termino con dos lindos “encores”: Joe Down, de “Rodeo”, de Aarond Copland; y un admirable arreglo, con énfasis en los violines, del tema de  “ Te para dos” , tratado con las características de aquellos conciertos de los ya fallecidos maestros Andre Kostelanetz, con su propia orquesta; y Arthur Fiedler, al frente de la “ Boston Pops” . Fue, sin dudas, otro triunfo para la empresaria Judy Drucker y para la “ Asociación de Conciertos de la Florida”, que ella preside.

 El mejor tributo al 250 cumpleaños de  Mozart provino de Barenboing y la  “Orquesta  Staatskapelle de Berlín”

Por Luis Felipe MARSANS

Ninguna ocasión pudo ser mas feliz para conmemorar el 250 aniversario del nacimiento de Wolfgan Amadeus Mozart que la  velada sinfónica dedicada a su música por la "Serie Sanford L. Ziff Prestige",  de Judy Drucker, que tuvo lugar hace unos días en el “Jackie Gleason Theater of the Performing Arts”, de Miami Beach.

Primero porque su repertorio agrupó algunas de las mejores obras  del genio creador –nacido en Salzburgo, y que vivió la mayor parte de su vida en Viena--; y luego porque  la ejecución  del maestro argentino Daniel Barenboing, al frente de la citada orquesta alemana fueron de una calidad, sensibilidad y  profundidad expresiva extraordinarias.

            W.A. MOZART

Comenzando con la Sinfonía No. 25 del autor –la misma que abre  como tema la película “ Amadeus”--, Barenboing  le transmitió al virtuoso ensamble todo el ímpetu que caracteriza a esa obra (vivo exponente de las emocionantes  alternativas que caracterizaron su vida), donde priman celestiales melodías que impuso al oboe y otros instrumentos de la madera.

Luego, en la parte central de la velada, Barenboing parecía un gigante, empinándose desde el piano, en el que toco igualmente como solista el Concierto No. 23 del mismo Mozart, para llevar el tiempo y el acoplamiento del grupo acompañante, y la acentuación de los pasajes  fortísimos, con admirable energía y sutileza a la vez, de acuerdo al caso.

El maestro –valga decir—no tan solo demostró su control orquestal desde el podium, sino además, su virtuosismo concertante al imponerle al piano  una ejecución  superior como solista, tanto en el dominio de las tiempos fuertes como en los pasajes melódicos, tratados con infinita dulzura, particularmente en la cadenza.

Pero si hermoso era el comienzo y desarrollo de este concierto, su final sonó majestuosamente, con la “ Sinfonía No. 41 (Júpiter)”   –la ultima que compuso Mozart antes de morir--, que transmitió a la audiencia la grandeza plena del clasicismo, elaborada grandiosamente  por quien tal vez fue el más grande y prolifero de los compositores de su época.

Todo ello, además de un par de deliciosos “encores”, hicieron de este  programa de la “Asociación de Conciertos de la Florida”, una manera muy especial de decirle al gran maestro, 250 anos después,  “Happy Birthday, Woofy”.

Un programa diferente, pero de significativo Virtuosismo

Por Luis Felipe Marsáns

En una de las la más recientes presentaciones, en el Teatro Jackie Gleason, de Miami Beach, de la Serie   Ziff  Prestige,  de la “Asociación de Conciertos de la Florida”, que preside Judy Drucker, pudo apreciarse un virtuosismo interpretativo que confieso que nunca había disfrutado así, fuera de la formalidad propiamente de la sinfonía, o de un concierto para solista y orquesta sinfónica.

Se trató de una velada en la que intervinieron la “Philhamonia de Rusia” –según reza el nombre del ensamble, y el barítono Dmitri Hvorostovsky, ambos bajo la batuta de un nombre nuevo dentro de los artistas del pódium que nos han visitado --Constantine Orbelian--, quien demostró cualidades excepcionales para llevar un programa de esta magnitud.

Es decir que podría conceptuarse como algo similar a  los conciertos de la “Boston Pops”, de Estados Unidos, pero contentivo,  en su integridad, de música clásica y popular, de los mejores autores de la Rusia Imperial de otrora, y también de compositores modernos de ese país, cuya trayectoria no hay porque asociarla necesariamente con el proceso político que dominó aquel  país desde 1917 hasta hace pocos años.

En su primera parte, apareció  –justamente como obertura--; la de “Ruslan y Ludmilla”, de Glinka, tocada con precisión y soltura a la vez, sobre todo en  el encanto melódico y difícil ejecución que se le adjudica a los arcos de los violines en la pieza;  aunque, siendo el tamaño de la orquesta menor  al de una sinfónica regular (había solamente dos contrabajos), la resonancia fue convincente.

El aria de Aleko, la ópera de Sergei Rachmaninoff, fue la primera intervención de la noche del barítono invitado --un joven de increíbles facultades vocales y gran capacidad dramática en la exposición de los temas, lo mismo puramente clásicos que en las canciones populares de la segunda parte--; y la Polonesa de la ópera “Eugenio Onegin”, de Pedro Tchaikovsky, llenó el ámbito del teatro con pulcritud en la entonación de los temas, y la  majestad  rítmica   con que el autor de la Patética juega, utilizando el peculiar colorido del folklore polaco.

De particular importancia dentro del concierto, aparecieron aquí igualmente arias de Anton Rubinstein, como “Na Vozdushnom Oceane”; y otras tomadas de “El Príncipe Igor”, y el Preludio de Khovanshina ,de Mussorgsky; así como “Ne sna ne Otdikha”, de Alexander Borodin; y una Danza de la ópera  “Snowmaiden”, del   mismo Tchaikovky; y “Poju tebe Bog Gimeneja, de Nerón, obra  del mismo Anton Rubintein, que cerrró la primera parte.

Cuando establecía, al principio,  una comparación programática con la Boston Pops, de este país, lo hacía porque este concierto, tuvo  un formato similar, en el sentido de que la segunda parte fue  dedicada a canciones populares y folklóricas –en este caso de Rusia--, que  Dmitri Hvorostovsky entonó con semejante  calidad, bonito timbre de voz y una condición muy particular para manejar  la  línea melódica en cada caso, magistral en los altibajos, y  singular  en la extensión las notas finales, o las que en la orquesta se señalan en la partitura con un “calderón”.

En la larga colección de piezas de la segunda parte de la velada, el barítono conmovió a la audiencia por su cálida entonación y romántica expresión  melódica; y aunque, cantadas en ruso, que no creo que muchos entendieran, a menos que leyeran  la traducción del programa impreso; el refinado aire de la Europa Oriental, nostálgico y sentimental, acompañado por instrumentos folklóricos como la balalaica, además de la orquesta,  crearon un ambiente exquisito, que el público premió con grandes aplausos, hasta llegar a los “encorés”, donde  Ochichornia, fue el más aplaudido, antes de que culminara el programa.

Valga decir también, que el maestro Constantine Orbelian es uno de los mejores que he visto en este tipo de presentación, llevando la orquesta con virtual sutileza y un magnífico control de la dinámica, no sólo en su calidad de acompañante sino igualmente en las piezas propiamente de conciertos, como cuando, por ejemplo, dentro del repertorio menos clásico de la segunda parte, dirigió dos piezas muy bien traídas e interpretadas dentro de la velada: un vals de Shostakovich, perteneciente a la película “El primer escalón” (The First Echelon); y el del Ballet “Masquerade” (de las máscaras), compuesto por Aram Khachaturian.